Le dimensioni contano? Perché alcuni brand stanno superando il minimal web design: ritorno ai font maxi, emozioni e glitch!

Non si tratta più di tendenze passeggere o di provocazioni estetiche. L'adozione di font giganti, serif vistosi e glitch visivi è diventata una dichiarazione d'intenti per molti brand: attirare l'attenzione in un contesto ipervisivo, ma soprattutto comunicare un posizionamento unico, autentico e contemporaneo.

I maxi-font non servono solo a colpire. Servono a far sentire la propria voce in un feed affollato, a segnare lo spazio con una presenza inconfondibile. Sono un gesto teatrale che obbliga lo spettatore a fermarsi, leggere, respirare. Quando usati in apertura di pagina o headline, diventano grida visive che impongono ritmo e personalità.

I font serif, una volta considerati classici, sono stati riscoperti e ricontestualizzati. Le grazie marcate e le forme sofisticate portano con sé una narrazione più umana e letteraria. In un'epoca di ipersemplificazione, la scelta di un serif ben costruito può evocare fiducia, artigianalità, profondità.

Il glitch, invece, è la poetica dell'imperfezione. Proveniente dal mondo dell'estetica cyberpunk e postdigitale, il glitch racconta un mondo rotto, incompleto, vulnerabile. Un mondo che assomiglia sempre di più al nostro. Inserire elementi glitchati in una brand identity non è solo "fare il moderno": è un modo per dire che la perfezione non è il fine, ma il processo.

Un esempio emblematico è il rebranding di Pitch, la piattaforma di presentazioni digitali, che ha scelto di integrare serif imponenti, micro-animazioni glitch e un linguaggio visivo modulare. Il risultato è un'identità forte, originale, che trasmette innovazione senza perdere umanità.

In sintesi, questi elementi non funzionano per tutti. Ma quando scelti con consapevolezza, possono trasformare una semplice estetica in una dichiarazione culturale. Un brand che osa con tipografia e visual storytelling oggi non sta solo cercando attenzione: sta cercando appartenenza.

Cosa accade quando un'immagine non si limita a mostrare, ma riesce a far sentire? Questo è l'obiettivo che molti brand stanno inseguendo nel 2025: trasformare il linguaggio visivo in un'esperienza emotiva, sensoriale, quasi intima.

La brand identity contemporanea è costruita come un percorso: ogni elemento — font, colori, layout, motion design — non è scelto per convenzione, ma per evocare. Non più solo "bello e coerente", ma "vivo, sentito, memorabile".

La neuroscienza conferma: il cervello umano elabora più rapidamente e profondamente le informazioni visive, soprattutto se connotate da movimento e colore. L'uso sapiente della motion graphic ad esempio (come nel caso di Squarespace, Adobe Express o Notion) non solo aiuta l'attenzione, ma crea una danza narrativa capace di comunicare tono, energia, personalità.

E poi ci sono i microdettagli: un bordo che vibra, una transizione che respira, una texture che ricorda la carta. Sono questi gli elementi che spesso creano connessione. Perché rendono tangibile il pensiero umano dietro il design. Il sito di Mailchimp, ad esempio, utilizza illustrazioni animate minimali e microinterazioni calde per dare vita a un tono amichevole e ironico, distinguendosi nel settore tech.

Anche i colori oggi non sono mai neutri. Secondo una ricerca di Adobe Digital Trends, palette sature e irregolari hanno un impatto emozionale più marcato rispetto a quelle armoniche e tradizionali. Il rebranding di Dropbox ne è un esempio: ha abbandonato il blu istituzionale per una gamma di colori energici e imprevisti, diventando più dinamico, giocoso, creativo.

Un altro aspetto chiave è la coerenza emotiva tra canali: social, sito, newsletter, packaging devono raccontare la stessa storia, ma con linguaggi visivi adattati. Il brand diventa così un organismo narrativo, capace di cambiare forma senza perdere identità.

Un esempio virtuoso è Glossier, che unisce packaging soft-touch, tipografia femminile e campagne digitali iper-personali, mantenendo coerenza tra fisico e digitale. Oppure Oatly, il brand svedese di bevande vegetali, che usa disegni fatti a mano, scritte imperfette, toni sarcastici e layout volutamente destrutturati per comunicare umanità, ironia e disobbedienza.

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In questo scenario, progettare una brand identity significa molto più che assemblare pezzi di design: è creare un'esperienza sensoriale che accompagna le persone. E le emozioni non si dimenticano facilmente.

In un mondo dove la velocità è diventata norma e l’informazione è sovrabbondante, le parole stanno riconquistando il loro valore primordiale: quello di far sentire. Il copywriting emozionale non è più un vezzo creativo, ma una necessità strategica. Le neuroscienze del comportamento ci spiegano che una comunicazione che stimola l'emozione attiva aree più profonde del cervello, favorendo il ricordo e la fiducia. Lo storytelling, l'uso di frasi brevi, ritmi naturali, pause visive e metafore concrete diventano strumenti essenziali per creare legami. Il tono umano oggi batte ogni algoritmo. Non servono frasi ad effetto, ma parole autentiche. Non serve sorprendere, ma connettere. Un brand che racconta con onestà ci somiglia di più, e ci rimane più vicino.

Esempi reali?

• Monzo (banca digitale UK): copy chiaro, ironico, diretto. Sembra parlare come un amico, non come un istituto finanziario.
• Headspace: usa un tono rassicurante, gentile, con parole che rilassano ancor prima che il prodotto inizi a funzionare.
• Zalando (campagna "Free To Be"): ha scelto copy potenti e inclusivi che celebrano diversità e libertà personale.

Questo tipo di scrittura non è improvvisata. Richiede studio della psicologia del lettore, scelta lessicale accurata e un'immersione vera nella cultura del brand.

3 principi chiave per un copy emozionale efficace:

1. Empatia reale: scrivi come se conoscessi la persona che leggerà.
2. Concretezza visiva: usa immagini mentali, non astrazioni. "Odore di pane" funziona più di "esperienza positiva".
3. Ritmo e respiro: frasi brevi, pause, musicalità. Il copy emozionale va ascoltato dentro.

Quando le parole toccano, aprono. Quando aprono, fidelizzano. E in un panorama saturo, ciò che emoziona è ciò che resta.

Quando un trend diventa dominante, anche il linguaggio visivo che lo accompagna rischia di svuotarsi. È il paradosso dell’omologazione estetica al contrario: nel tentativo di essere diversi, tutti iniziano a somigliarsi.

Nel 2025, glitch, serif teatrali e layout destrutturati stanno proliferando ovunque. Ma ciò che nasce come gesto creativo rischia di diventare schema ripetuto. E quando la dissonanza diventa standard, perde la sua forza di rottura.

La creatività non può essere automatizzata. Eppure, strumenti come Canva, Notion AI o template marketplace stanno facilitando una diffusione di estetiche preconfezionate. Il risultato? Brand visivamente "cool", ma concettualmente vuoti.

Esempi tipici:

• Portfolio creativi con glitch finti, solo perché “funziona su Dribbble”.
• Landing page con titoli serif sovradimensionati, senza alcuna corrispondenza nel tono del messaggio.
• Animazioni continue che confondono più che valorizzare.

Il problema non è lo stile, ma la mancanza di intenzione.

Come evitarlo?

1. Ritornare al “perché” visivo: ogni scelta deve partire dal messaggio e dai valori del brand.
2. Curare la coerenza narrativa: tipografia, motion, immagini devono servire la stessa storia.
3. Evitare la moda se non ti appartiene: un'estetica forzata crea disconnessione.

Brand come Patagonia o Duolingo resistono a questi cliché proprio perché non rincorrono l’estetica del momento. Si rinnovano, ma restano fedeli a un’identità profonda.

In un mondo dove tutti possono “glitchare” un font, l’atto davvero sovversivo è tornare a creare con verità. Non per stupire, ma per comunicare davvero.